Entrevista con Lieta Molinet, directora vocal en Cruz de Navajas. En qué consiste la dirección vocal. Trucos y consejos para calentar la voz.

¿Es la primera vez que ejerces como directora vocal de un espectáculo? ¿Cómo ha sido la experiencia?

“Sí, es la primera vez. La experiencia a día de hoy sigue siendo un reto en todos los sentidos donde me pongo cara a cara con la excelencia, con el detalle, con el mimo. Cada día trabajo con cada uno de los cantantes la musicalidad, la interpretación, el oído y que luego se traspasa al show y que si no se hace continuamente se pierde la viveza del show.

Es al mismo tiempo un reto y un regocijo porque cuando ves a los cantantes haciendo maravillas con sus voces y oyes los arreglos que he hecho con tanto amor en el escenario es un auténtico deleite para mi.”

¿Cuántas canciones en total se han adaptado para el show?

“Se han adaptado 37 temas musicales. Desde la balada a la salsa. Un sinfín de géneros que implican tareas diferentes y que ha sido una tarea muy intensa, pero que ha merecido mucho el resultado.”

¿En qué consiste la dirección vocal de un espectáculo?

“Mis responsabilidades van desde la dirección desde los ensayos, los reajustes de los temas hasta la motivación de los artistas antes de cada show.

Se hacen arreglos nuevos, se reajustan, se incluyen arreglos nuevos porque este espectáculo está muy vivo. Siempre hay detalles nuevos que pueden salir a la luz y que se van implementando en el espectáculo.

Hacer entender a los cantantes sutilezas dentro de las canciones, hacerles reflexionar sobre la interpretación de cada canción. Contar lo que cantamos. Tenemos muy en cuenta también qué pasa musicalmente en cada una de las canciones, entender el espacio sonoro que nos arropa a la hora de cantar.

Es trabajo de la dirección vocal también la técnica vocal. Se enseñan técnicas de calentamiento, automasaje y relajación antes de empezar el espectáculo. Los bailarines también están invitados a estos calentamientos vocales, por supuesto. Se anima, se alienta y se motiva al elenco antes de cada función.

También fue mi responsabilidad preparar a cada cantante en cada track: las sopranos, las mezzo, etc. Si se necesitan sustituciones se trabaja para que los arreglos musicales sigan funcionando y no se pierda la sonoridad. También fue mi labor preparar a nuestra cantante swing para que pueda sustituir a un cantante en cualquier track.

¿Qué se tiene en cuenta a la hora de adaptar una canción?

“Se tiene en cuenta primeramente la versión original, la fuente. En nuestro caso Mecano. Se tiene en cuenta la época de la canción, la sonoridad de aquel entonces, cómo se interpretaba por aquel entonces, cómo lo hacían ellos. Se asume con mucho respeto y se adapta llevándolo a nuestros tiempos.

Mis propias influencias musicales entran en juego, esto es normal, pero al mismo tiempo se tiene muy en cuenta el original para que nunca pierda la luz que tiene ese tema.”

Se nota que en este espectáculo los tracks están pensados para que cada artista se luzca haciendo lo que mejor sabe, ¿cómo ayudas a los cantantes a encontrar lo que mejor les sienta?

Simplemente sentándome con ellos y un piano y haciendo un trabajo individual. Los ayudo aclarando las dudas, trabajamos cuestiones técnicas y les hago ver la importancia de la interpretación. Este ejercicio se suma a su bagaje: cómo van vestidos, cómo actúan. Y por eso luego el público empatiza o le gusta más uno u otro, porque son muy diferentes entre sí.

Cada uno tiene una personalidad muy definida, aunque en conjunto siempre somos uno.

En tu opinión, ¿cuál ha sido la canción más difícil de adaptar? ¿Y la más fácil?

Todas tuvieron su punto de dificultad. Recuerdo haberme demorado mucho en el medley de Mecano, también en el Blues del esclavo, cómo llegar a la primera estrofa. También el Dalí tuve que hacer dos versiones, una para Mikel y para mi y otra para cuando la canten dos mujeres. Sigo trabajando también en arreglos hoy en día, porque se ha unido otra voz masculina, que es la de Joan.

No puedo pensar en ninguna fácil. Nunca me confié. Me pasaba horas pensando arreglos. Al final acordé conmigo misma trabajar un día por canción. Tenía que sonar bien, tenía que tener juego armónico, tenía que ser interesante de oír. Por eso agradezco muchísimo toda la libertad que se me dio para hacer estos arreglos desde el minuto cero. Gonzalo, el director del espectáculo y creador de la obra, siempre me daba luz verde en todo y eso es un privilegio.

En muchas ocasiones tenéis que cantar a la vez que bailar, ¿es diferente el proceso de adaptar una canción si hay baile?

Por supuesto. Cuando bailamos se nos altera el corazón y la respiración y es más difícil sostener una nota, así que se trabaja de forma diferente para facilitar el proceso. Ahí entra la técnica vocal para facilitarnos el trabajo.

La voz y el acting van siempre de la mano, especialmente en un espectáculo musical, ¿además de las voces ensayas este acting?

Lo que yo intento trabajar con ellos es lo que me enseñó mi maestra de interpretación. Cuando uno va a interpretar un tema este acting primero nace en la voz. Los cantantes trabajamos mucho con imágenes que tenemos en la mente y se trasladan a la voz. La voz es el único instrumento musical que puede transmitir emociones y cantar palabras. La voz impone un acting y ante este acting responde la cara, el brazo, la postura, la mirada, la gestualidad y de ahí surge la interpretación.